La démarche artistique de Nombril
Pour créer l’histoire de Nombril, nous avons choisi comme point de départ le ventre. De ce vaste thème sont nées plein d’idées parmi lesquelles nous avons choisi l’attente, la création du monde et le regard intérieur.
LES MARIONNETTES
Nous avons choisi d’explorer ces univers en profondeur à travers trois médiums: la marionnette habitée, le théâtre d’ombres et la marionnette de table.
La marionnette habitée
Voir à l’intérieur du ventre de la mère... et du père…
Dans cette partie, les comédiens qui jouent le père et la mère ont le haut du corps (torse et ventre) comme un petit théâtre d’ombres portatif. Leurs corps sont surdimensionnés et éclairés de l’intérieur; ainsi les comédiens peuvent y manipuler les marionnettes d’ombres. De plus, le ventre de la mère est élastique, ce qui permet de recréer les mouvements internes du foetus. Ces corps marionnettiques offrent diverses possibilités pour représenter les émotions et les sensations vécues par les parents.
Le théâtre d’ombres… en couleurs
Entrer dans le monde intra-utérin et imaginaire du bébé à naître…
Les marionnettes d’ombres en couleurs sont découpées dans du plexiglas et ensuite peintes avec de la peinture pour vitrail ou colorées à l’aide de gélatines d’éclairage. Ainsi, l’ombre projetée n’est pas noire mais de couleurs et de textures variées. Les projections au travers de ces vitraux nous permettent de créer des ambiances aquatiques lumineuses. Les marionnettes d’ombres sont manipulées à l’aide de fines tiges et de fils qui permettent une plus grande fluidité du mouvement.
La marionnette de table
Illustrer la construction des émotions…
C’est une forme de théâtre où les petites marionnettes sont prédominantes et où les marionnettistes manipulent à vue sur une petite table. Chaque membre du bébé est une marionnette en soi avec toutes les émotions qu’elle peut démontrer : les jambes qui dansent, les poings qui frappent, le nombril qui crie « Moi! Moi! Moi! » À la fin, le bébé est complètement assemblé et prêt à vivre en dehors du ventre maternel.
Mettre en action le corps humain, cette fascinante machine…
À partir de l’idée d’une machine à boules, nous avons construit un immense corps intérieur où les marionnettistes peuvent animer les combats intérieurs du corps humain. Ils alternent entre la manipulation d’objets et de petites marionnettes afin de personnifier les gargouillis, les pulsions et les combats intérieurs.
LA SCÉNOGRAPHIE
Le théâtre de petite forme est tout à fait indiqué pour créer une ambiance intime et propice aux échanges entre les marionnettes et le public. Notre scénographie, compacte et transformable à vue, est formée d’une table en demi-cercle, d’un écran d’ombres qui se bascule comme un landau de bébé et d’un mini décor en forme de cage thoracique.
LES AMBIANCES SONORES
Afin de favoriser la lecture d’images universelles comme celle du bébé qui flotte dans le ventre de sa mère, nous avons opté pour un théâtre sans paroles. Le support sonore devient alors très important en regard du groupe d’âge auquel notre spectacle est destiné. La bande sonore originale devient un véhicule d’émotions et de repères concrets pour les jeunes spectateurs. Il s’agit d’un choix artistique audacieux et d’autant plus stimulant pour les concepteurs et les marionnettistes.
LES PREMIÈRE ÉTAPES DE CRÉATION EN 2000-2001
Le Théâtre Motus a bénéficié à l’automne 2000 d’une première résidence au Théâtre de la Ville. Nous y avons de plus donné trois représentations exploratoires publiques dans le cadre des Journées de la Culture.
À la suite de ces représentations, nous avons poursuivi notre démarche artistique en élaborant un nouveau scénario. Grâce au Centre des auteurs dramatiques, Hélène Ducharme a bénéficié, au cours du printemps 2001, de l’aide d’un conseiller en dramaturgie d’expérience, Monsieur Serge Marois de l’Arrière Scène, centre dramatique pour l’enfance et la jeunesse de Beloeil.
Afin de vérifier notre scénario auprès dui groupe d’âge visé, nous avons rencontré un groupe d’enfants de 5 ans. Cette expérience enrichissante nous a permis de clarifier nos liens dramatiques en fonction du très jeune spectateur.
